2020

Cuando Rodrigo Reyes trabajaba como intérprete en los juzgados de California conoció de cerca el caso de Sansón, un chico acusado y condenado por asesinato a cadena perpetua, el tiempo forjo una relación entre ambos, la cual llevó al primero a plantarse la posibilidad de realizar un documental sobre el caso, uno que expusiera las razones que podían llevar a alguien a esa situación. Cuando las autoridades del penal pusieron varias restricciones, el realizador encontró su inspiración en la gente cercana de Sansón, la que le permitiría realizar un trabajo íntimo y entrañable, “Sansón y Yo”.

Rodrigo Reyes continúa la exploración sobre la identidad, tema que ya había explorado en sus dos pasados trabajos, “Lupe Bajo el Sol” (2016) y “499” (2020), logrando llevar la discusión no al crimen por el que Sansón ha sido acusado, sino el cómo se forja la identidad de alguien y cómo, al ser encerrado de por vida, esta identidad se ve inmersa en un proceso de cambios que amenazan con desaparecer al individuo.

El cine que busca denunciar alguna injusticia tiene un camino complicado, no sólo debe dejar en claro su propósito sino que debe mover al espectador a la reflexión y la autocrítica sobre los hechos se relatan, muchas veces están fracasan por no lograr sobrepasar el panfleto, muchas veces logran ir más allá, pero desafortunadamente, hay ocasiones en que lo relatado parece quedarse a medio camino, eso es lo que pasa con “No Nos Moverán”, opera prima de Pierre Saint Martin y gran ganadora del pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Socorro ha vivido bajo la sombra de la muerte de su hermano ocurrida el 02 de octubre de 1968 en Tlatelolco, hecho que la motiva a volverse abogada y que le lleva a planear un perfecto acto de venganza una vez que logre ubicar al soldado que lo hizo. Cuando recibe una pista que la pone en lo que parece el camino desea, su obsesión por llevar a cabo sus deseos pronto le mostrarán las consecuencias de sus actos.

Federico Cecchetti continua en su nueva película, “Jíkuri: Viaje Al País de los Tarahumaras”, la exploración de la cosmogonía de los pueblos originarios de México, centrando ahora la atención en el pueblo tarahumara, usando de pretexto, el viaje que realizó en la década de 1930 el poeta y dramaturgo francés Antonin Artaud para conocer más de la cultura.

Artaud vieja a la sierra tarahumara para conocer más sobre la forma en que ellos ven el mundo, en el lugar entabla amistad con uno de los pobladores, quien es asignado como su guía, cuando el extranjero abandona el lugar tras experimentar los efectos de la danza del jikuri, lo que le hace, bajo la tradición en la zona, perder una de las tres almas tiene. Para impedir se pierda por completo, deberá completar una de las dos restantes aunque para ello, deberá aceptar la cosmogonía del pueblo.

Parece imperante que el cine latinoamericano termine narrando historias que rozan la pobreza y lo que provoca en aquellos viven bajo ese entorno, muchas veces instalándose en lo que se conoce como pornomiseria o rayando en ella, de éstas últimas, algunas logran esquivar con gran éxito el caer en los clichés de ello y convertirse en algo más que logra ir más allá y trascender en otros terrenos, tal es el caso de la cinta “El Ladrón de Perros”.

Martín es un lustrabotas que trabaja en las calles de La Paz, Bolivia. Desde hace un tiempo, Gladys, una vieja amiga de la difunta madre de Martín, les da refugio a él y a su amigo Sombras en una casa donde trabaja como empleada doméstica para una señora adinerada con Alzheimer. Movido por su imaginación y algunos rumores de Gladys, el lustrabotas comienza a sospechar que uno de sus mejores clientes, el sastre Novoa, es su padre. Decidido a crearse un vínculo con él secuestra su perro buscando, con ello, comprobar sus ideas y conseguir su reconocimiento.

Muchos me conocen, muchos saben quién soy. Por si no lo saben soy la Rana Cuaja, acompaño a mi ‘apá a funciones de prensa, festivales, entrevistas y, por lo regular, cuando vemos películas animadas yo soy la que le recuerda muchas de las cosas hemos visto. En esta ocasión he decidido tomar el teclado y debutar en la “crítica” de cine, y lo pongo entrecomillado porque no seré de los pedantes se dicen serlo y no lo son, en realidad soy sólo una humilde ranita que dará su opinión y, que mejor película para hacerlo que “Mi Villano Favorito 4” (Despicable Me 4), nadie puede hablar de mis Minions mejor que yo.

Gru ya no es un supervillano, de hecho, trabaja para la Liga Anti-Villanos, tras captura a Maxime Le Mal, éste jura venganza y cuando escapa de prisión, toda la familia (Lucy, Margo, Edith, Agnes y el bebé Jr.) deberá esconderse con nuevas personalidades, pero los problemas no dejan a nuestro adorable narigón quien ve su identidad esta en riesgo por alguien lo ha reconocido, obligándolo a regresar a las andadas. Paralela a esa trama vemos como los Minions son reclutados por la Liga quienes le otorgan superpoderes a cuatro de ellos.

En 2018 John Krasinski nos entregaría una gran película en “Un Lugar en Silencio” (A Quiet Place) la cual mostraría la forma escasos sobrevivientes a una invasión extraterrestre tenían que guardar silencio para lograr conservar la vida, la forma en que lograba las audiencias se metieran en la cinta y callaran a la vez resultaba admirable, dos años después llegaría su secuela llevando a sus protagonistas a otros caminos. Ahora, seis años después del inicio, llega “Un Lugar En Silencio. Día Uno” (A Quiet Place: Day One), qu, a diferencia de las otras dos, nos invita a hacer mucho ruido para acabar con el aburrimiento tenemos en pantalla.

Sam, poetisa con cáncer, pasa sus últimos días en un hospital, un día al ir a una función de títeres, bajo la promesa de que después irán por pizza, es testigo del inicio de una invasión extraterrestre. Decidida a cumplir su último capricho, se encamina a su pizzería favorita para comer una última rebanada. En el camino conoce a un estudiante de leyes, ambos deberán unir fuerzas para sobrevivir en el caos y, sobre todo, guardar silencio, mucho silencio, ya que cualquier ruido alerta a los invasores.

La exhumación implica el acto de extraer un cadáver de la tierra después de haber sido enterrado. Usualmente, este tipo de procesos son realizados ante algún caso de investigación criminal, al menos según la ideología occidental. Pero también, exhumar un cuerpo implica otras cuestiones, como la creencia de que el alma de una persona debe regresar a su lugar de nacimiento. Pero hay veces que el realizar esta práctica no solo implica molestar a las almas que, supuestamente, están en eterno descanso, sino que ahondan en un vínculo mucho más profundo que implica no sólo espiritualidad sino también territorio.

“Exhuma La Tumba del Diablo” (파묘), del director Jang Jae-hyun (Exorcistas, 2015; Svaha: The Sixth Finger, 2019) presenta una historia dividida en seis capítulos donde, poco a poco, va desenterrando un misterio lleno de diversos giros, empezando por una aparente maldición familiar hasta llegar a un relato mucho más profundo y reflexivo que enfrenta la ciencia, la superstición y la historia de un país como Corea del Sur, creando un híbrido de suspenso por demás interesante donde mientras más se cava, más capas se encuentran.

El cine de terror muchas veces muestra bien las raíces de donde proviene ocultas entre las narrativas o formas del género. El horror asiático suele caracterizarse por la mirada de lo espiritual y el mudno de los espectros, usualmente mujeres, que aterrorizan a los protagonistas. En Hollywood, el jump scare, las casas abandonadas o los slashers muestran un a-b-c de fórmual probada que la gente suele comprar sin importar lo mala que sea el producto. Pero en Latinoamérica, el terror ha mostrado diferentes caras y temáticas, reinventando conceptos (Cuando Acecha la Maldad, Rugna, 2023) e incluso reinterpretando los mismos, dándoles un toque auténtico (Huesera, Garza Cervera, 2022).

Entre esas visiones diferentes donde el bajo presupuesto o el ingenio de los realizadores provocan historias interesantes en fondo y forma, el cine brasileño y portugués se distingue no sólo por inclinarse normalmente hacia la dura crítica social que el colonialismo dejó sobre ellos (A Mata Negra, Aragao, 2018) o la desigualdad que se acentúa en el país sudamericano con funestas consecuencias (Property, Bandeira, 2022). Sin embargo, Gabriel Abrantes, realizador portugués nacido en Carolina del Sur, explora ahora las entrañas de un horror folclórico donde la brujería y los lazos de familia coinciden en la bizarra pero entretenida “Herencia Siniestra” (Amelia´s Children, 2023).

El cine de terror refleja los temores de la sociedad, poniendo en clave de cine de criaturas y cosas sobrenaturales temas complicados y complejos que vistos desde esta forma pueden ser más sencillos de entender y comprender por las masas, poniendo el dedo en la llaga de temas deben ser platicas y analizados, la cinta “Las noches son de los monstruos” nos lleva a los terrenos de lo complejo es crecer en terrenos hostiles.

Sol y su madre llegan a un pueblo para vivir con Gonzalo, abandonando su vida pasada así como sus lugares habituales. Su llegada le enfrenta a hostilidades en la escuela y el acoso de la pareja de su madre, quien cumple turno nocturno. Un día encuentra a una perra atrapada y la libera, estableciendo con ella una conexión, la cual las unirá para luchar contra aquellos que buscan herirlas.

Las relaciones familiares son complicadas, más entre hermanos, más cuando estos se encuentran por alguna razón alejados y deben reunirse de nuevo por algo importante. La forma en que aflora en esos reencuentros las viejas interacciones y las diferencias de carácter resultan siempre fascinantes, y eso es, en parte, lo que narra la cinta uruguaya de “Años Luz”.

Mateo, Belén y Maria José, tres hermanos treintañeros, se reencuentran para vender la casa donde crecieron. Con este objetivo emprenden viaje hacia su pueblo natal, sin saber que, realmente, lo que van a hacer es abrir heridas, curar recuerdos y hallar motivos para seguir adelante.