2020

El cine de época corre el riesgo de volverse una estampita escolar, de ser el pretexto perfecto para que el diseñador de arte se luzca y tengamos asombrosas recreaciones históricas que tiene como fondo endebles historias y actuaciones, tal es el caso de “La Favorita del Rey” (Jeanne du Barry), vehículo de lucimiento de su protagonista y directora, Maïwenn, pero sin la fuerza del personaje histórico al que se busca poner en la mira.

Jeanne du Barry es una joven que usa su inteligencia y sexualidad para abrirse paso en la corte del rey Luis XV, de quien se convertirá en su amante favorita, lo que le traerá enemistades y líos en el lugar.

Dirigida por Maïwenn “La Favorita del Rey” es una película cuya recreación visual resulta fascinante, con una dirección muy académica, muy pulcra, pero cuya debilidad es el guión, el cual es bastante esquemático y poco emotivo, lo que impide que la película despegue del todo y quede como una bonita estampa escolar. Ella utiliza de forma correcta la cinta como un vehículo de su talento y sensualidad, la cual traspasa pantalla y hace de su personaje un ser real y amigable.

El cierre de la trilogía de Ti West sobre la fama llega demostrando el gran crecimiento como director ha tenido el realizador, un trabajo que no sólo cierra de forma magistral la historia de Maxine Mink sino que le permite a su realizador el demostrar cuanto ha crecido desde el inicio con “XXX” (2022), donde sin dejar de rendir los homenajes al cine de género, se permite cuestionar la censura, la fama y, sobre todo, la obsesión de Hollywood por los desquiciados.

Cinco años después de los acontecimientos de la granja donde sus amigos fueron asesinados y ella fue la única sobreviviente, Maxime ha consolidado una carrera dentro del cine para adultos en Los Angeles. Decidida a hacerse un nombre que nadie olvide realiza castings en espera de hacer películas serias en Hollywood, teniendo su gran oportunidad en una secuela de una cinta de terror. Pero justo cuando parece la fama le sonríe, una serie de asesinatos de gente cercana a ella ponen todo en riesgo.

El cine no sólo sirve como distractor o como un elemento para retratar la realidad social que se vive, es mucho más que eso, y entre ese abanico hay una serie de películas que buscan motivar a la gente o hacerles comprender a una persona enferma y aprender a soltarle y dejarle ir, tal es el caso de “Tuesday, abrazando la vida” (Tuesday) un drama con tintes fantásticos que logra conmover e impulsar a seguir adelante.

Tuesday tiene una enfermedad terminal, pasa sus días al cuidado de una enfermera mientras su madre finge irse a trabajar aunque en realidad pasa el día perdiendo el tiempo incapaz de afrontar la situación de su hija. Cuando la muerte, personificada en un ave, llega para cumplir su ciclo vital, ella le pide tiempo para despedirse de su madre, a lo cual ésta accede. La reacción de su madre pondrá en riesgo todo.

Cuando Rodrigo Reyes trabajaba como intérprete en los juzgados de California conoció de cerca el caso de Sansón, un chico acusado y condenado por asesinato a cadena perpetua, el tiempo forjo una relación entre ambos, la cual llevó al primero a plantarse la posibilidad de realizar un documental sobre el caso, uno que expusiera las razones que podían llevar a alguien a esa situación. Cuando las autoridades del penal pusieron varias restricciones, el realizador encontró su inspiración en la gente cercana de Sansón, la que le permitiría realizar un trabajo íntimo y entrañable, “Sansón y Yo”.

Rodrigo Reyes continúa la exploración sobre la identidad, tema que ya había explorado en sus dos pasados trabajos, “Lupe Bajo el Sol” (2016) y “499” (2020), logrando llevar la discusión no al crimen por el que Sansón ha sido acusado, sino el cómo se forja la identidad de alguien y cómo, al ser encerrado de por vida, esta identidad se ve inmersa en un proceso de cambios que amenazan con desaparecer al individuo.

El cine que busca denunciar alguna injusticia tiene un camino complicado, no sólo debe dejar en claro su propósito sino que debe mover al espectador a la reflexión y la autocrítica sobre los hechos se relatan, muchas veces están fracasan por no lograr sobrepasar el panfleto, muchas veces logran ir más allá, pero desafortunadamente, hay ocasiones en que lo relatado parece quedarse a medio camino, eso es lo que pasa con “No Nos Moverán”, opera prima de Pierre Saint Martin y gran ganadora del pasado Festival Internacional de Cine de Guadalajara.

Socorro ha vivido bajo la sombra de la muerte de su hermano ocurrida el 02 de octubre de 1968 en Tlatelolco, hecho que la motiva a volverse abogada y que le lleva a planear un perfecto acto de venganza una vez que logre ubicar al soldado que lo hizo. Cuando recibe una pista que la pone en lo que parece el camino desea, su obsesión por llevar a cabo sus deseos pronto le mostrarán las consecuencias de sus actos.

Federico Cecchetti continua en su nueva película, “Jíkuri: Viaje Al País de los Tarahumaras”, la exploración de la cosmogonía de los pueblos originarios de México, centrando ahora la atención en el pueblo tarahumara, usando de pretexto, el viaje que realizó en la década de 1930 el poeta y dramaturgo francés Antonin Artaud para conocer más de la cultura.

Artaud vieja a la sierra tarahumara para conocer más sobre la forma en que ellos ven el mundo, en el lugar entabla amistad con uno de los pobladores, quien es asignado como su guía, cuando el extranjero abandona el lugar tras experimentar los efectos de la danza del jikuri, lo que le hace, bajo la tradición en la zona, perder una de las tres almas tiene. Para impedir se pierda por completo, deberá completar una de las dos restantes aunque para ello, deberá aceptar la cosmogonía del pueblo.

Parece imperante que el cine latinoamericano termine narrando historias que rozan la pobreza y lo que provoca en aquellos viven bajo ese entorno, muchas veces instalándose en lo que se conoce como pornomiseria o rayando en ella, de éstas últimas, algunas logran esquivar con gran éxito el caer en los clichés de ello y convertirse en algo más que logra ir más allá y trascender en otros terrenos, tal es el caso de la cinta “El Ladrón de Perros”.

Martín es un lustrabotas que trabaja en las calles de La Paz, Bolivia. Desde hace un tiempo, Gladys, una vieja amiga de la difunta madre de Martín, les da refugio a él y a su amigo Sombras en una casa donde trabaja como empleada doméstica para una señora adinerada con Alzheimer. Movido por su imaginación y algunos rumores de Gladys, el lustrabotas comienza a sospechar que uno de sus mejores clientes, el sastre Novoa, es su padre. Decidido a crearse un vínculo con él secuestra su perro buscando, con ello, comprobar sus ideas y conseguir su reconocimiento.

Muchos me conocen, muchos saben quién soy. Por si no lo saben soy la Rana Cuaja, acompaño a mi ‘apá a funciones de prensa, festivales, entrevistas y, por lo regular, cuando vemos películas animadas yo soy la que le recuerda muchas de las cosas hemos visto. En esta ocasión he decidido tomar el teclado y debutar en la “crítica” de cine, y lo pongo entrecomillado porque no seré de los pedantes se dicen serlo y no lo son, en realidad soy sólo una humilde ranita que dará su opinión y, que mejor película para hacerlo que “Mi Villano Favorito 4” (Despicable Me 4), nadie puede hablar de mis Minions mejor que yo.

Gru ya no es un supervillano, de hecho, trabaja para la Liga Anti-Villanos, tras captura a Maxime Le Mal, éste jura venganza y cuando escapa de prisión, toda la familia (Lucy, Margo, Edith, Agnes y el bebé Jr.) deberá esconderse con nuevas personalidades, pero los problemas no dejan a nuestro adorable narigón quien ve su identidad esta en riesgo por alguien lo ha reconocido, obligándolo a regresar a las andadas. Paralela a esa trama vemos como los Minions son reclutados por la Liga quienes le otorgan superpoderes a cuatro de ellos.

En 2018 John Krasinski nos entregaría una gran película en “Un Lugar en Silencio” (A Quiet Place) la cual mostraría la forma escasos sobrevivientes a una invasión extraterrestre tenían que guardar silencio para lograr conservar la vida, la forma en que lograba las audiencias se metieran en la cinta y callaran a la vez resultaba admirable, dos años después llegaría su secuela llevando a sus protagonistas a otros caminos. Ahora, seis años después del inicio, llega “Un Lugar En Silencio. Día Uno” (A Quiet Place: Day One), qu, a diferencia de las otras dos, nos invita a hacer mucho ruido para acabar con el aburrimiento tenemos en pantalla.

Sam, poetisa con cáncer, pasa sus últimos días en un hospital, un día al ir a una función de títeres, bajo la promesa de que después irán por pizza, es testigo del inicio de una invasión extraterrestre. Decidida a cumplir su último capricho, se encamina a su pizzería favorita para comer una última rebanada. En el camino conoce a un estudiante de leyes, ambos deberán unir fuerzas para sobrevivir en el caos y, sobre todo, guardar silencio, mucho silencio, ya que cualquier ruido alerta a los invasores.

La exhumación implica el acto de extraer un cadáver de la tierra después de haber sido enterrado. Usualmente, este tipo de procesos son realizados ante algún caso de investigación criminal, al menos según la ideología occidental. Pero también, exhumar un cuerpo implica otras cuestiones, como la creencia de que el alma de una persona debe regresar a su lugar de nacimiento. Pero hay veces que el realizar esta práctica no solo implica molestar a las almas que, supuestamente, están en eterno descanso, sino que ahondan en un vínculo mucho más profundo que implica no sólo espiritualidad sino también territorio.

“Exhuma La Tumba del Diablo” (파묘), del director Jang Jae-hyun (Exorcistas, 2015; Svaha: The Sixth Finger, 2019) presenta una historia dividida en seis capítulos donde, poco a poco, va desenterrando un misterio lleno de diversos giros, empezando por una aparente maldición familiar hasta llegar a un relato mucho más profundo y reflexivo que enfrenta la ciencia, la superstición y la historia de un país como Corea del Sur, creando un híbrido de suspenso por demás interesante donde mientras más se cava, más capas se encuentran.